IKU SALA X KALEOS: UNA IDEA QUE TOMA FORMA
Con el objetivo de seguir explorando la forma, KALEOS quiso conocer la perspectiva de jóvenes diseñadores y descubrir nuevas maneras de pensar las gafas. Con esa premisa, colaboró con Eina, Centro Universitario de Diseño y Arte de Barcelona, en una iniciativa que conecta la formación universitaria con la realidad profesional del diseño.
La colaboración se planteó como un concurso en el que estudiantes del Grado en Diseño procedentes de distintas disciplinas presentaron sus propuestas de gafas. Cada estudiante pudo partir de sus propios referentes e imaginar un diseño que expresara su visión y dialogara con los valores de KALEOS.
A KALEOS le interesó especialmente el punto de partida de Iku Sala: las referencias de su proyecto conectaban con el universo visual de la marca. Con la investigación y el concepto ya definidos por él, el equipo de producto de KALEOS trabajó a su lado para hacer técnicamente viable la propuesta, desde el desarrollo de prototipos hasta la definición de la montura final.
En esta entrevista, Iku habla sobre el origen de su diseño, las decisiones que marcaron su evolución y el proceso que lo hizo posible.
K
¿Qué pensaste cuando surgió la oportunidad de colaborar con KALEOS? ¿Cómo encontraste un punto de encuentro entre tu universo creativo y el nuestro?
ES
Pensé que era una gran oportunidad, ya que la manera de trabajar de KALEOS conecta mucho con la estética que tenía en mente
para el producto desde el principio. Para este proyecto también quise incorporar a Alexander Calder como referente, porque siempre ha sido una gran fuente de inspiración para mí y creo que ayudó a encontrar un punto de conexión entre el universo de KALEOS y el mío.
Por ello, el proceso resultó bastante natural, ya que los valores que transmite KALEOS son, en muchos sentidos, muy parecidos a los míos y no sentí que tuviera que adaptar mi manera de diseñar a la marca, sino que encontré la libertad de desarrollar una idea propia que encajaba con su visión.
ALEXANDER CALDER FUE EL ARTISTA QUE INSPIRÓ IKU.
K
La forma es una parte esencial de nuestra identidad. ¿Qué lugar ocupa en tu trabajo?
ES
Creo que la forma lo es casi todo, ya que es lo que acaba interactuando con nuestros sentidos, como la vista, el tacto e incluso el sonido. Para mí, el proceso creativo no consiste únicamente en dibujar o trabajar sobre un plano. Gran parte de la pieza final es fruto de experimentar con los materiales, jugar con ellos, deformarlos y darles nuevas formas. Muchas veces, es durante esa experimentación cuando descubro algo que me llama la atención y siento que me estoy acercando a lo que busco.
"I think form is almost everything, because in the end it is what interacts with our senses, such as sight, touch and even sound.”
K
¿Cómo definirías tu lenguaje visual?
ES
Mi manera de diseñar se caracteriza por un estilo sencillo y minimalista, con colores bastante neutros, líneas rectas y
formas geométricas. Es una estética aparentemente simple, sin grandes elementos llamativos, pero siempre intento incorporar pequeños detalles que aporten personalidad y hagan que cada pieza se aleje de lo convencional o de lo aburrido.
K
Hay un detalle muy particular en esta montura: la bola roja. ¿Cómo surgió?
es
Una de las cosas que siempre me gusta destacar en mi proceso creativo son los pequeños errores y descubrimientos que surgen mientras experimento con las formas. En este caso, la bola roja nació precisamente de uno de esos errores. Al principio, las gafas tenían demasiado peso en la parte frontal, así que decidí añadir un contrapeso en la parte trasera para equilibrarlas. Lo que empezó como una solución funcional acabó convirtiéndose en un elemento esencial del diseño. Me gusta cómo, a veces, estos pequeños
imprevistos terminan aportando personalidad a un a pieza y se convierten en parte de su identidad.
“I like how, sometimes, small unexpected moments end up giving a piece personality and becoming part of its identity.”
K
¿Qué te interesa más de un objeto: cómo está hecho, cómo funciona o cómo nos hace sentir?
ES
Cómo nos hace sentir es una de las primeras cosas que tengo en cuenta. Tengo la costumbre de tocar los objetos y prestar atención a sus texturas y formas, a cómo se adaptan a la mano y a la sensación de que por un momento ambos se fusionan. No me refiero únicamente a objetos diseñados por una persona, sino también a elementos naturales como una piedra de mar o un trozo de madera. Me interesa descubrir qué sensaciones me transmiten y a partir de ahí, explorar qué función podrían tener y cómo podría desarrollar un objeto a partir de ellos. Muchas veces, es esa primera conexión física con una forma la que acaba dando inicio a un proyecto.
K
¿Qué parte de tu proceso creativo disfrutas más?
ES
Sin duda, la parte que más disfruto es recortar, romper y desmontar para después volver a crear. Me gusta experimentar con las formas, añadir y quitar elementos, girarlos y probar diferentes combinaciones sin tener necesariamente un resultado definido desde el principio. Es un proceso bastante intuitivo, en el que voy descubriendo nuevas posibilidades a medida que experimento y que, muchas veces, me acaba llevando a lugares que nunca habría imaginado.
“Without a doubt, the part I enjoy most is cutting, breaking and taking things apart, and then creating again.”
K
¿Cómo sabes cuándo una pieza está terminada?
ES
Creo que una pieza está terminada cuando añadir más elementos empieza a hacerla menos funcional o demasiado recargada. Para mí, encontrar ese equilibrio es clave. Saber cuándo dejar de añadir y entender que, a veces, quitar es tan importante como incorporar algo nuevo. Aun así, no creo que un objeto esté nunca completamente terminado. A medida que la sociedad evoluciona, también lo hacen
las necesidades. Por eso, todo se acaba adaptando al presente.
